Чернофигурная вазопись

Вазопись коврового стиля.

Элементы коврового (ориентализирующего, протокоринфского) стиля начали зарождаться еще в вазовых изображениях VIII в. до н.э., но полностью сформировались только лишь к VII в. до н.э., продолжая развиваться в течение первых десятилетий VI в.

Вазы коврового стиля имеют характерные признаки. Их размеры, по сравнению с аналогичными предшественниками, становятся меньше. Наиболее типичные для этого времени сосуды – это кратеры, амфоры, килики (чаши для вина). Зарождается в это время производство и совсем миниатюрных сосудов, среди которых выделяют емкости для ароматических масел – арибаллы – и емкости, предназначенные для хранения косметики, — пиксиды.

Техника изготовления ваз ориентализирующего стиля совершенствуется. Мастера обжигают вазы три раза, помимо лака, применяют белые и пурпурные краски. Линии на внутренней стороне ваз процарапывают при помощи циркуля.

Геометрические орнаменты со временем уходят. Мастера начинают рисовать на вазах растения, их цветы, ветки. Вазы становятся богато и разнообразно украшенными растительным орнаментом, что и составляет характерный признак коврового стиля.

Специфической чертой коврового стиля является изображение людей и животных, которые нарисованы в профиль. Исключения составляют образы льва и пантеры, тела которых рисовали в профиль, а головы — в фас.

Образы людей на вазах практически отсутствуют. Исключение составляют образы мифологических героев.

По данным археологических исследований ковровый стиль преобладал на территориях юга Балкан, на островах Эгейского архипелага, а также в греческих колониях (Коринф, Родос, Самос, Клазомены, Навкратис, Аттика).

Прекрасным образцом коврового стиля, дошедшим до нашего времени, является глубокое блюдо из Прайса, датируемое VII в до н.э. На его внутренней стороне пропорционально друг другу изображен всадник верхом на лошади. На наружной стороне – герой Геракл, борющийся с морским чудовищем Тритоном.

Чернофигурная вазопись. 

Чернофигурный стиль среди вазописцев получил широкое распространение в VI в. до н.э. При изготовлении ваз мастера использовали лак черного цвета. Фон вазы был оранжево-красный. Такое сочетание цветов позволяло создавать контрастные многоплановые композиции.

При нанесении изображений мастера использовали глянцевую глину, которую наносили на необожженную глину. Нюансы изображения прочерчивались. На внутренней части ваз изображали растения и листья пальмы. Изображения были плоскостными. На вазах неоднократно встречаются росписи мастеров, которые их изготовили.

Наибольшую известность в этом стиле обрели древнегреческие мастера Эксекий, Пасиад и Харес, которые жили в VI в. до н.э. Эксекий изготовил шедевр — чашу для вина (килик).
Чаша была украшена изображением Диониса с кистью винограда. Ладью, на которой он плывет, сопровождает стая дельфинов.

Наружная часть чаши содержит рисунок двух глаз. Древние греки верили, что эти глаза оберегают от опьянения.

Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожженной глине. Мелкие детали прочерчивались штихелем. Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья (т. н. пальметты). После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала чёрный цвет.

Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур. Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика».

Появившейся со временем новый краснофигурный стиль полностью вытесняет чернофигурный стиль вазописи в конце IV в. до н.э.

Культура Древнего Рима

Ученые разделяют историю древнеримской культуры на три периода:

• Царский (8-6 вв. до н.э.)
• Республиканский (6-1 вв. до но.э.)
• Имперский (1 в. до н.э. – 5 в.н.э.)

Царский считается примитивным периодом в плане развития культуры, однако, именно тогда у римлян появился свой алфавит.

Художественная культура римлян была схожа с эллинской, но имела свои характерные особенности. Например, скульптура Древнего Рима приобрела эмоции. На лицах персонажей римские скульпторы стали передавать состояние души. Особенно многочисленны были скульптуры современников – Цезаря, Красса, различных богов, обычных граждан.

В Риме древнегреческим ученым Птолемеем была создана геоцентрическая система мира. Ему же принадлежат многочисленные работы по математике и географии. А римский доктор Гален вплотную подошел к открытию значения нервов для двигательных рефлексов и кровообращения.

Музыка Древнего Рима копировала греческую. Из Эллады приглашались музыканты, актеры и скульпторы. Популярностью пользовались оды Горация и Овидия. Со временем, музыкальные представления приобрели зрелищный характер, сопровождающийся театральными представлениями или гладиаторскими боями.

Изобразительное искусство в Риме носило утилитарный характер. Оно представлялось римлянами как способ заполнить и рационально организовать жизненное пространство. Оно, как и архитектура, выполнялось в виде монументальности и величия.

Подводя итог, отметим, что римскую культуру можно считать преемницей греческой, однако, римляне многое привнесли и доработали в ней. Некоторые считают, что ученик превзошел учителя.

В архитектуре римляне строили свои здания на века. Термы Каракаллы – яркий пример гигантизма в строительстве. Архитекторы использовали такие приемы как использование палестр, перистильных дворов, садов. Бани снабжались сложным техническим оборудованием.

Величественными римскими сооружениями можно считать дороги, которые используются и по сей день, знаменитые оборонительные валы Траяна и Адриана, акведуки и, конечно же, амфитеатр Флавиев (Колизей).

Вазопись геометрического стиля

Геометрический стиль считается одним из ранних стилей в изобразительном искусстве Древней Греции. Стиль был заимствован греками из микенской культуры. Рассвет стиля приходится на 1050 год до нашей эры.

Вазы, выполненные в геометрическом стиле, имеют характерный орнамент, состоящий из кругов, треугольников и квадратов. Геометрика на вазах отделяла изображения друг от друга.

Характерным орнаментом геометрического стиля была меандра – извивающаяся линия с завитками. Названа меандра в честь реки в Малой Азии. Со временем геометрический орнамент усложнялся. Меандры стали не только одинарными, но и двойными.

Люди, животные и предметы изображались схематично. В большинстве случаев на вазах были представлены изображения сражающихся героев

Цвета геометрического стиля не отличались особым разнообразием. Доминировали черный и красный. Фон ваз был светлым. Угасание геометрического стиля относится к 8 веку до нашей эры.

Яркими примерами геометрического стиля стали найденные в Афинах амфоры размером полтора метра – амфоры из Дипилона. Это красивейший сосуд, который украшен меандами. Но основное изображение составляет сцена оплакивания умершего. Примечательно, что плакальщицы изображены предельно схематично в виде треугольников. Их руки – это ломаные линии. Такое изображение является характерной чертой геометрического стиля.

После угасания геометрического стиля люди, животные на вазах стали изображаться более детально, что усиливало тенденцию к реалистичности. Реалистичность проявила себя в большей степени в черно- и краснофигурном стилях вазописи.

1.4.1 Вазопись по белому фону, Вазопись по белому фону

1.4.2 Вазы- Гнафии

Гнафия (Gnathia ) — стиль греческой вазописи, популярный в IV в. до н. э. Получил свое название по городу Гнафия в восточнойАпулии, где в середине XIX в. были обнаружены первые керамические изделия, выполненные в этом стиле. Производство керамики, украшенной гнафией, началось около 370—360 гг. до н. э. в Апулии, когда краснофигурная вазопись сталаполихромной. Для гнафий характерно нанесение разноцветного красочного узора непосредственно на покрытую лаком основу. В дополнение к разноцветным краскам на гнафии наносились также узоры с помощью насечек. Сюжеты, изображаемые на гнафиях, разнообразны — это Эрот, женщины и их повседневная жизнь, театральные сцены, дионисийские сцены, причём роспись часто располагалась исключительно в верхней части сосуда. Нижняя часть украшалась преимущественно орнаментом. В стиле гнафии обычно расписывались колоколообразные кратеры, пелики, ойнохойи и скифосы. Наиболее известными мастерами гнафии считаются вазописцы Конакис и Вазописец роз.

Изначально в гнафии использовалась вся палитра цветов: белый, жёлтый, оранжевый, красный, коричневый, зеленый и другие краски, однако после 330 г. до н. э. белый цвет вытеснил другие цвета. Также сузился и спектр сюжетов, в основном это были растительные мотивы: вьющийся виноград, побеги плюща или лавровые листья, среди которых изображались мужские и женские головы, театральные маски, голуби и лебеди. Нижняя часть сосудов часто была рифлёной. Помимо ойнохой, скифосов и пелик в стиле гнафии расписывались также бутыли, лекифы, чаши и канфары. Видными мастерами этого периода являются Луврский мастер бутыли и Дунедин. Период поздней гнафии охватывает около 25 лет. В это время гнафия в сюжеты росписи возвращаются человеческие фигуры, преимущественно изображения Эроса. Изображения встречаются преимущественно на канфарах и чашах с расписными ручками. Рифление сохранилось, белую краску стала дополнять жёлтая для передачи теней.

22 стр., 10775 слов

Работа с природным материалом глиной

… Он заключается в пропорционaльном делении предназначенной для лепки массы глины на все главные части объекта, который предстоит … деятельности создает атмосферу осмысленного труда. На основании вышеизложенного считаем тему данной курсовой работы актуальной и интересной … и творчества подрастающего поколения является обработка глины, изготовление из нее изделий различного назначения. Занятия по …

«Pocolum»

Инновации Древнего Рима.

1. Акведуки

Римляне не изобрели акведуки, ведь их возводили еще в Древнем Египте, Ассирии и Вавилоне, но они использовали свое мастерство для усовершенствования процесса водоснабжения. Сотни водных каналов были построены на территории Римской империи. И другой, еще более удивительный факт: римские водопроводы были так хорошо сделаны, что некоторые из них используются и сейчас.

2. Создание бетона

Многие древнеримские строения дошли до нас благодаря развитию цемента и бетона. Жители Древнего Рима начали строительство из бетона более 2100 лет назад и использовали его во всем Средиземноморском бассейне, начиная от акведуков и заканчивая зданиями, мостами и памятниками. Римский бетон был значительно слабее, чем его современный аналог, но он оказался удивительно прочным благодаря своему уникальному рецепту, ведь в его составе были гашеная известь и вулканический пепел.

3. Переплет книг

Римляне упростили процесс издания литературы путем создания рукописей из множества страниц. Первые книжные переплеты были сделаны из восковых табличек, но позже их заменили пергаментом из кожи животных, который больше напоминал страницы сегодняшних книг. Древние историки отмечают, что Юлий Цезарь создал раннюю версию переплетных рукописей, складывая вместе папирусные страницы.

4. Римские арки

Древние римляне были первыми, кто использовал огромный потенциал арок в строительстве мостов, памятников и зданий. Оригинальная структура арки позволяла равномерно распределять ее вес вдоль нескольких опор. Римские инженеры улучшили арочную структуру. Они создали то, что сегодня известно как сегментарные арки: одинаковые полукруглые сегменты повторялись через определенное расстояние. Арки стали одной из основных характеристик римского архитектурного стиля.

5. Юлианский календарь

Современный григорианский календарь был смоделирован на основе римской версии, которая насчитывает более 2 000 лет. Первые древнеримские календари в качестве образцов брали греческие модели. Но поскольку римляне считали, что четные числа приносят несчастье, они изменили свой календарь, в котором каждый месяц стал иметь нечетное количество дней. Эта практика продолжалась вплоть до 46 г. до н. э., когда Юлий Цезарь и астроном Сосиген ввели новую юлианскую систему, связавшую календарь с солнечным годом. Цезарь увеличил количество дней в году с 355 до уже знакомой нам цифры 365 и, в конечном итоге, включил календарные 12 месяцев в том виде, в каком мы знаем их сегодня.

6. «Двенадцать таблиц» и римское гражданское право

Основой раннего римского права стали «Двенадцать таблиц»: кодекс законов, который служил основой конституции в республиканскую эпоху. «Двенадцать таблиц» представляли собой сборник законов, касающихся собственности, религии и разводов. В них были перечислены наказания за любые виды преступлений, начиная от кражи и заканчивая черной магией. Еще более влиятельным, чем «Двенадцать таблиц», был «Corpus Juris Civilis» — римское гражданское право и его амбициозная попытка синтезировать историю законов Рима в одном документе.

7. Военная хирургия

Римляне изобрели множество хирургических инструментов и стали пионерами в использовании кесарева сечения, но их наиболее ценный вклад в медицину пришелся на поле боя. Под руководством императора Августа, они создавали военно-медицинские корпуса, которые стали одними из первых специализированных подразделений полевой хирургии. Римская военная медицина оказалась настолько передовой, что солдаты обычно жили дольше, чем средний гражданин.

• Системы управления контентом ECM-системы
• ПРАВО ГРАЖДАН НА ЮРИДИЧЕСКУЮ ПОМОЩЬ
• Подсистемы ИС
• Понятие CPI
• Общее понятие о внимании (Основные функции внимания)
• Виды предпринимательского бизнесом
• Солнечная система
• Экономический рост и экологические проблемы
• Понятие сущность и фазы экономических циклов
• Методы управления, причины возникновения конфликта в образовательных учреждениях
• Внедрение системы сбалансированных показателей
• Технологии хранилищ данных

С 575 по 550 год до нашей эры. Ж.-К.

Франсуа Vase, Клейтиас

Чашка с ручками Siana

Именно в этот период изображение мифологических и человеческих сцен стало заботой лучших художников (фризы с животными отошли на второй план).

Живописцы Кубков, заменяя фигуры животных антропоморфными фигурами, представляют собой шаг между художником Горгоны и Софилом . Шедевром этого периода (575-550) является ваза Франсуа .

Кубки Сианы

Они извлекают выгоду из широкого распространения в пан-эллинском мире . Основными художниками являются: Художник C (для коринфизма) и художник из Гейдельберга, свидетельствующий о степени мастерства, превосходящей художника C.

Клейтиас

Можно найти некоторое сходство между его работами и работами лучших работ художника С, но его стиль гораздо более детализирован. Например, он хорошо владеет цветами и деталями. Общие эффекты также очень удачны, как и передача эмоций. Использование белого и контурного рисунка делает его наследником художников Горгоны и Софилоса.

В основном он работает с гончаром Эрготимосом . Более того, вместе с ним он подписывает вазу Франсуа в новой форме: спиральный кратер. Эта ваза — шедевр того времени; фризы с животными практически исчезли, их заменили самые разнообразные мифологические сюжеты.

Краснофигурная живопись на вазах

Имитационное заимствование краснофигурной техники появилось только в Этрурии около 490 г. до н.э., почти через полвека после изобретения этого стиля в Греции. Ранняя продукция описывается как этрусская ваза с псевдо-красными фигурами из-за разницы в технике. Только к концу V века в Этрурии была представлена ​​настоящая краснофигурная техника. Как для псевдо, так и для истинной красной фигуры были признаны многочисленные художники, мастерские и производственные центры. Вазы не только производились для местного рынка, но и продавались на Мальту, Карфаген, Рим и Лигурийское побережье.

Псевдо-краснофигурная ваза, изображающая

АфинаПосейдонспиральном кратере

Ранние сосуды этот стиль просто имитировал краснофигурную технику. Как и в некоторых ранних аттических вазах, это было достигнуто путем покрытия всего корпуса вазы черным блестящим слипом, а затем добавления фигур сверху с использованием красок, которые окислялись до красного или белого во время обжига. В истинной красной фигуре красные области оставлены без проскальзывания. В псевдо-красной фигуре внутренние детали были отмечены насечкой, аналогично обычной практике в черно-фигурной росписи ваз, а не нарисованы, как в истинной красной фигуре. Важными представителями этого стиля были те и другие мастера, находившиеся в Вульчи. Несмотря на их обширные познания в греческой мифологии и иконографии — не всегда выполненных идеально — нет никаких доказательств того, что эти мастера были греческими иммигрантами. Исключением является сам Художник Праксиаса: поскольку на четырех его вазах написаны надписи на греческом языке, он мог иметь греческое происхождение.

В Этрурии стиль псевдо-красных фигур был не только ранним явлением. как это было в Афинах. Некоторые мастерские, особенно в 4 веке до нашей эры, специализировались на этой технике, хотя в то же время в мастерских этрусков было широко распространено истинное красное изображение. Примеры включают мастерские и. Несколько более старая группа Sokra отдавала предпочтение чашкам с внутренними изображениями из греческой мифологии, иногда также с этрусскими мотивами. Группа Phantom в основном рисовала фигуры в плащах в сочетании с композициями из растений или пальметт. Предполагается, что мастерские обеих групп располагались в Цере, Фалерии и Тарквинии. Phantom Group производила свои изделия до начала 3 века до нашей эры. Изменение вкусов покупателей означало конец не только настоящего краснофигурного, но и этого стиля.

Краснофигурная вазная роспись

Лишь к концу 5-го века Настоящая техника красных фигур, когда фигуры в качестве зарезервированных областей остаются в фактическом цвете глины, была представлена ​​в Этрурии. Первые такие мастерские были созданы в Вулци и Фалери, но также производились для близлежащих территорий. Первоначальные мастерские, вероятно, были основаны аттическими мастерами, но первые сосуды также уже демонстрируют южно-итальянское влияние. Эти мастерские доминировали на этрусском рынке до 4 века до нашей эры. Сосуды большого и среднего формата, такие как кратеры и кувшины, в основном были украшены мифологическими сюжетами. В течение столетия производство Falerii стало превосходить Vulci по количеству. Новые центры производства появились в Кьюзи и Орвието. Кьюзи приобрел особое значение благодаря производству чашек для питья с преимущественно дионисийскими мотивами внутри. Во второй половине века производство переместилось в Вольтерра. Здесь, особенно воронки определенного типа, были созданы и изначально очень тщательно расписаны.

Во второй половине IV века до нашей эры мифологические сюжеты исчезли из репертуара этрусских вазописцев. Их заменили женские головы и фигурные изображения не более двух человек. Вместо этого корпуса ваз теперь были в основном покрыты орнаментальными и цветочными мотивами. Более крупные композиции теперь появлялись только в исключительных случаях, например, амазономахия на кратере. Первоначально, все еще существенное, производство Falerii уступило свою доминирующую роль новому производственному центру в Caere. Мастерские Цере, вероятно, были основаны мастерами из Фалери; им не хватало отдельной традиции, но они стали основным центром производства краснофигурных ваз в Этрурии. В его стандартный репертуар входили просто расписанные oinochoai, lekythoi и чашки для питья (например, The) и маленькие тарелки (). К концу 4-го века изменение вкусов потребителей привело к сдвигу в сторону производства, что положило конец производству краснофигурных ваз в Этрурии.

Полихромия , Для вазописи 5-4 веков в Греции и 3 века до н. э. областей

Кроме белого в обиход вошли серые и серо-фиолетовые краски. Их изготовляли путём добавления к белой краске определённого количества разбавленного чёрного лака (до 75 %).

Для получения красной краски с чёрным лаком смешивали тонкоизмельчённый железняк. Нередко рисунок украшался позолотой. Для этого использовали тонколистовое золото.

Обжиг.

Печи обжига керамики в Древней Греции и её колониях в основном имели круглую форму, диаметром до 1 м. Печи, в которых выжигали пифосы или черепицу, могли достигать 3-4 м в диаметре. Топили печи дровами и хворостом. Верхняя часть печи была куполовидною с отверстием, куда выходило пламя. В тот момент, когда обжиг проходил в восстановительный режим, это отверстие закрывали, по современным экспериментальным подсчетам, на 30 минут. Керамика в печи загружалась через большой боковой проём. Поскольку чёрный лак не плавился при обжиге, сосуды ставили друг на друга. Само отверстие замазывали глиной, оставляя небольшой «глазок» для наблюдения за процессом обжига. Вместе с вазами в печь помещали отдельные черепки разбитых необожженных сосудов. Их в определённые моменты вынимали через верхнее отверстие для проверки хода процесса. В частности, в Афинах найдено много таких обломков, извлеченных из печи на разных стадиях обжига керамики.

Во время обжига особенно тщательно следили за температурой. Если она опускалась ниже 800 °C, то глина становилась красного, а не чёрного цвета. Первый окислительный этап проходил из-за открытого верхнего отверстия. Затем в печь подбрасывались зеленые ветки или сырые дрова, ставили в печь сосуд с водой (для восстановительного режима необходима влага) и закрывали верхнее отверстие — так начинался восстановительный этап, температура постепенно поднималась до 900 °C. По такому режиму обжиг длился по современным подсчетам, около 30 минут. Тогда верхнее отверстие открывали, обеспечивая вновь доступ кислорода, дрова больше не добавляли, а печь постепенно остывала.

1.3.4 Краснофигурная вазопись

Краснофигурные вазы впервые появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику впервые применил живописец Андокид. В отличие от уже существовавшего распределения цветов основы и изображения в чернофигурной вазописи, чёрным цветом стали красить не силуэты фигур, а наоборот фон, оставляя фигуры не закрашенными. Отдельными щетинками на неокрашенных фигурах прорисовывались тончайшие детали изображений. Разные составы шликера позволяли получать любые оттенки коричневого. С появлением краснофигурной вазописи противопоставление двух цветов стало обыгрываться на вазах-билингвах, на одной стороне которых фигуры были чёрными, а на другой — красными.

Краснофигурные вазы из Аттики распространились по всей Греции и за её пределами и долгое время занимали лидирующее положение на рынке высококачественной расписной керамики. Лишь немногие гончарные мастерские могли сравниться по качеству, производительности и богатству творческих идей с вазописцами изАфин. До нашего времени сохранилось более 40 тысяч экземпляров и фрагментов краснофигурных ваз, созданных в Афинах, и более 20 000 — созданных в Южной Италии. Краснофигурная вазопись основательно исследована археологами и историками искусства. Установлена принадлежность значительного количества керамических сосудов конкретным группам вазописцев. Изображения на краснофигурных вазах являются важным источником информации для культурно-исторических исследований, в том числе для изучения быта и особенностей повседневной жизни эллинов, их ритуалов и воззрений, а также древнегреческой мифологии и иконографии мифологических персонажей

Краснофигурный стиль обогатил вазопись большим количеством мифологических сюжетов, кроме них на краснофигурных вазах встречаются зарисовки из повседневной жизни, женские образы и интерьеры гончарных мастерских. Невиданный прежде для вазописи реализм достигался сложными в исполнении изображениями конных упряжек, архитектурных сооружений, человеческих образов в три четверти и со спины.

Вазописцы стали чаще использовать подписи, хотя по-прежнему на вазах преобладают автографы гончаров. Гончары оставляли подпись в виде своего имени в сочетании с глаголом др.-греч. ?рпЯзуен ( epуiesen — он сделал ), а вазописцы — др.-греч. ?гсбшен (йgrapsen — он нарисовал ).

Если вазописец сам изготовлял сосуд для росписи, то он ставил оба «штампа». Благодаря подписям удалось атрибутировать многие произведения гончарного искусства конкретным мастерам, одновременно составив представление об их творческом развитии.

Уже в V в. до н. э. в нижней Италии возникли знаменитые мастерские, работавшие с этим стилем вазописи и конкурировавшие с вазописными мастерскими в Аттике. Краснофигурный стиль копировался и в других регионах, где однако не получил особого признания.

3.2 Характерные черты периода упадка чернофигурного стиля

Для аттической вазописи этого времени характерна широкая практика экспериментов. Наследие вазописцев конца VI века до н. э. отличалось значительным разнообразием творческих манер вазописцев. Определяющей становится проблема пространственных построений, размещение пересекающихся планов и вписывание фигуры в природное или архитектурное окружение, исходя из пропорциональных соотношений. Вощинина А. И. «Античное искусство» Издательство Академии Художеств СССР, Москва 1962

Росписи поздних чернофигурных ваз дали впервые в греческом искусстве образцы многофигурной композиции, в которой все действующие лица находились в реальной взаимосвязи, диктуемой характером события. По мере дальнейшего нарастания реализма в греческом искусстве в вазописи наметилась тенденция к преодолению плоскостности и условности, заложенной во всей художественной системе чернофигурной вазописи. «Всеобщая история искусств. Том 1. «Искусство древнего мира». Под общей редакцией А. Д. Чегодаева. Государственное издательство «Искусство». Москва 1956

Силуэтный чернофигурный рисунок с его условностью изображний ограничивал возможности развития творчества художника, начавшего искать правдивость изображения. Стремление к передаче естественности жеста, многообразию движения не находило выхода в плоскостных изображениях чернофигурного рисунка. В конце VI века до н.э. мастера вазописи нашли новый технический прием, новые, более выразительные средства передачи изображений: было изобретено краснофигурное изображение. Таким образом, в вазописи, как и в архитектуре, к концу архаического периода получили особое значение реалистические тенденции.

Заключение

Мы приходим к выводу о целостности позднеархаического периода в развитии аттической вазописи, поскольку наблюдается чёткая преемственность и взаимодействие нескольких поколений мастеров.

Была определена роль отдельных творческих индивидуальностей, значение деятельности ведущих мастеров в каждом из этапов позднеархаического периода. На раннем этапе — это Несса, Клитий, Амфиарай, в период расцвета — Эксекий, Лидос, Амасис, в период упадка — Антимена, Псиакс, Приама.

На основании исследования можно сделать вывод, что первые чернофигурные вазы еще были близки к ориентализму и геометрическому, хотя уже появлялась динамика в изображении человека, предпринимаются попытки передать объем. Очертания фигур пока еще условны и подчинены определенной схеме. В период расцвета чернофигурной вазописи появляются сложные многофигурные сцены, например, сцены охоты. Вазописцы работают с более крупными вазами. Несмотря на все еще присутствующую стилизованность и условность, появляется большая выразительность, применяется пурпурная и белая краска, помимо черного лака. На позднем этапе чернофигурной вазописи наблюдается наибольшее количество экспериментов с техникой. Для этого периода характерны детализация изображений, попытки к изображению фигур в пространстве, применение пейзажа в композиции, зарождается реализм, который потом будет развиваться в краснофигурной вазописи.

Таким образом, может быть прослежена единая логика развития этого искусства от высокой архаики к ранней классике.

Список источников

чернофигурный вазопись коринфский керамика

1. http://moyuniver.net

2. http://www.iskunstvo.info/materials/art/1/ancientgrezijakonspekt.html

3. http://www.todayculture.ru/

4. Акимова Л. И. «Искусство древней Греции: геометрика, архаика» Издательство «Азбука-классика». СПб, 2007

5. Борухович В. Г. «Вечное искусство эллады» ИД №04372 от 26. 03.2001 г. Издательство «Алетейя» СПб 2002 г.

6. Вощинина А. И. «Античное искусство» Издательство Академии Художеств СССР, Москва 1962

7. Всеобщая история искусств. Том 1. «Искусство древнего мира». Под общей редакцией А. Д. Чегодаева. Государственное издательство «Искусство». Москва 1956

8. Самар О. Ю. Журнал «Известия Российского государственного педагогического университета им. А.И. Герцена» Выпуск № 58 / 2008.

Размещено на Allbest.ru

2. Центры вазописи

Наиболее значимыми центрами гончарного искусства — и соответственно вазописи — в Греции считаются Афины и Коринф вАттике. Получили известность также вазы из Беотии и Лаконии.

Благодаря греческим колониям в нижней Италии их гончарное искусство и вазопись распространились и в этом регионе. Начиная с VIII в. до н. э. греческая керамика имитировалась итальянскими мастерами, возможно, благодаря осевшим в Италии греческим мастерам. Начиная с IV в. до н. э. в Италии получает развитие собственный стиль, отличный от греческих образцов. Вазопись нижней Италии отличается своими размерами и богатством декора, в котором в дополнение к традиционным цветам использовались белая и красная краска.

«наисковые вазы»

Химические реакции , Химические реакции при обжиге исследованы Теодором Шуманом

Образованный монооксид железа FeO имеет чёрный цвет. Наличие водяного пара способствует образованию магнетита, который имеет более интенсивный чёрный цвет, чем монооксид железа:

В результате и сосуд, и лакированная поверхность становятся глубоко чёрного цвета. При окислительном этапе под воздействием кислорода в пористой глине сосуда FeO и Fe ₃ O₄ переходят в красный железа(III) Fe₂ O₃ , тогда как в плотных ошлакованих покрытых лаком поверхностях при остывании печи такого не происходит, и поверхности, покрытые лаком, остаются черными.

Возможные дефекты

Процесс обжига был очень сложным. Из-за малого скопления воздуха внутри сосуда, он мог лопнуть, разрушив и другие вазы в печи. Среди дефектов нередко случались искажения формы, асимметричный корпус, неравные края или ножка — это могло быть следствием смешения разнородных глин. На поверхности сосуда могли проступать красные пятна, или если одна сторона после обжига становилась не чёрной, а бурой, это означало, что температура обжига в подходящий момент не была оптимальной и равномерной в печи. Если это красный цвет без металлического блеска — температура была ниже 800 °C, если же наоборот, цвет чёрный с интенсивным блеском — из-за окислительного этапа температура была слишком высокой. Случалось и так, что из-за избытка поташа лак приобретал не чёрный, а оливковый цвет, поскольку железо частично переходило в двухвалентное состояние Fe(OH) _2.