Презентация на тему "древнегреческая вазопись" по изо (изобразительное искусство) для 5 класса

Введение

Вазопись — орнаментальная или изобразительная декоративная роспись сосудов, выполняемая почти исключительно керамическим способом, то есть специальными красками с последующим обжигом. Выделяется два способа вазописи: вазопись по глазури и подглазурная роспись. По глазури расписывается уже готовое изделие, а подглазурная роспись наносится на предварительно обожжённое изделие. После окончания работы художника изделие покрывают слоем прозрачной глазури и вновь обжигают при высокой температуре. Многочисленные и блестящие образцы вазописи оставило древнегреческое искусство. Греческая керамика является наиболее распространённой находкой в археологических исследованиях античной Греции, обнаружить её можно во всём ареале расселения древних греков.

В I тысячелетии до н. э. вокруг города Рима возникло государство, которое стало расширять свои владения за счет соседних народов. Эта мировая держава просуществовала около тысячи лет и жила за счет эксплуатации рабского труда и завоеванных стран. Риму принадлежали все прилегающие к Средиземному морю земли как в Европе, так и в Азии и в Африке. Поэтому и искусство, особенно архитектура, было призвано показывать всему миру мощь государственной власти. Бесконечные войны, жажда завоеваний, в которых мужал и рос Рим, требовали напряжения всех сил, поэтому основой римского общества стали твердая дисциплина в войске, твердые законы в государстве и твердая власть в семье. Превыше всего римляне ставили умение властвовать над миром.

Чернофигурный стиль вазописи

В VII — V вв. до н.э. в самостоятельный стиль украшения керамики развивается чернофигурный стиль вазописи. Все чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены. Рисунок помещался в «клейме». Силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера на подсушенной необожженной глине.

Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья. После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала черный цвет. Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур. Центры чернофигурной вазописи — Афины и Коринф.

Перспектива и другие художественные тонкости

Не забывайте, пожалуйста, про восприятие объема и картины в целом. Правильно передавайте перспективу, то есть отношение объектов на разном отдалении от зрителя. Помните, что стоящий человек закрывает головой горизонт, имеет живую позу и скорее всего идет наискосок, а не вдоль линии горизонта.

Но детально это все мы рассмотрим в других статьях. А вы сейчас постарайтесь передать картинку такой, какой вы ее видите. Я бы рекомендовала на начальных этапах делать фотографию и уже с нее рисовать. Так вы увидите правильное расположение ваших предметов на плоскости.

Но и модель убирать не стоит, ведь что-то лучше видно в объеме! Постарайтесь рисовать при естественном или хорошем искусственном освещении, чтобы вы видели правильные цвета ваших моделей.

И на сегодня все, сходите в музей, чтобы еще раз увидеть все варианты композиций и приступайте к работе. Напишите, какие еще темы интересны в отношении изобразительного искусства. Полезна ли была эта статья для рисунка и для фотографии? Оставьте свой комментарий.

Изобразительное искусство периода классики

В период раннего классицизма активно развивалась вазопись краснофигурного стиля. Свободные части ваз покрывались черным лаком, при этом фигуры обводились контуром и оставались не закрашенными. Тоненькой кистью или птичьим пером внутри красного силуэта прорисовывали линиями черты лица, прическу, складки одежды. Данная техника позволяла передавать движение фигур в разных ракурсах. После обжига лак обретал зеркальную поверхность с благородным оливковым оттенком, при этом светлые фигуры четко выступают на этом фоне. Мифологические сюжеты сменились реалистичными жанровыми и бытовыми сценами.

Замечание 2

Еще одна известная композиция — «Прилет первой ласточки» мастера Евфрония, запечатлевшего на вазе диалог старика, юноши и мальчика. Художник отразил обыденную, повседневную жизнь людей. Взгляды персонажей сюжета обращены в небо, к летящей ласточке. Надписи, которые сопровождают изображение, нанесены пурпуром и передают очарование и поэтичность сцены. Юноша восклицает — «Смотри, ласточка!», а мужчина отвечает: «Правда, клянусь Гераклом!». А мальчик кричит: «Вот она!». Мастер же добавляет: «Наступает весна».

В период классицизма широкое распространяется скульптура, передающая портретные черты и эмоциональное состояние человека.

Общие правила расположения объектов

Я вам сейчас дам сухую теорию, которую вывели умные люди и совершенно не знали художники. Почему не знали? Потому что все правила в искусстве – законы природы. Но некоторые люди их видят и становятся великими художниками, а некоторые – нет. Сейчас можно научиться, а не рассчитывать на природные таланты.

Правило третей

Это самое легкое, что можно придумать. Если вы фотографируете, то и сами знаете это правило, ну или интуитивно видите, на каких фотках оно нарушается.

В рисунке все тоже самое. Лист делится на 9 частей, две линии по горизонтали и две по вертикали. Ели на картинке будет один объект, то его лучше располагать на линиях или в центральном секторе. Если несколько – на линиях. Горизонт, как правило, располагается на нижней горизонтальной линии.

Естественно, многие нарушают это правило. Но, чтобы идти против правил, нужно как минимум эти правила знать, как максимум иметь хорошее природное чувство гармонии.

Золотое сечение

Вариант для продвинутых. Но на самом деле он более интуитивно понятен, хотя и его и сложнее выучить. Мы представляем, что на любой прямой объекты должны находится на расстоянии 38 частей от одного края листа и 62 – от другого. Чтобы получить красивую улиточку, нужно лист делить в данном соотношении, пока не закончится место. Смотрите:

Золотое сечение само по себе – идеальная природная пропорция. На самом деле большая часть природных объектов соответствует этой рассчитанной пропорции. Это деревья, раковины моллюсков, волны… возьмите свои фотографии и в половине вы найдете эту улиточку.

В рисунке придерживайтесь расположения объектов по улитке, это очень прокачает ваше чувство прекрасного и гармонии. Кажется сложным, но глаз быстро привыкает, ведь это заложено самой природой.

Треугольники

Это вариант золотого сечения, но он проще и понятнее. Вы мысленно или физически делите лист на треугольники, из углов идут перпендикуляры.

Далее у вас в картине должно быть три акцента и каждый вы располагаете в пределах соответствующего треугольника. Такие картины будут смотреться гармонично, а от вас не будет требоваться ни расчетов, ни чертежей.

Это основные правила композиции, то есть расположения объектов на листе. Классно работают, если у вас от 1 до 3 акцентов в картине.

Что такое композиция

Какие же правила без понимания, что мы вообще хотим поправить? Когда мы смотрим на любую картинку, то наш взгляд за что-то цепляется, да и вообще на картине, как правило, что-то изображено

Даже в картине моря есть кораблики или привлекающие внимание гребни волн. А в картинах неба – выделяющиеся облака

Расположением всех объектов на картине называется композицией. Если нет объектов, то акцентов, будь то просветы в облаках или цветы в поле. Композиция предполагает гармонию, то есть все акценты на картине в нашем мозгу связаны и не противоречат друг другу. Мы не берем в расчет контраст, когда на пальму вешают елочный шарик. Тут скорее корова размером с НЛО на поле или жираф в море. Понимаете разницу с шариком?

Красная клубника и #TheDress

Akiyoshi Kitaoka // Twitter

Несколько лет назад в интернете спорили о том, какого цвета платье на фотографии: черно-синее или бело-золотое. Выяснилось, что на самом деле оно ярко-синее с черным кружевом, однако множество людей по-прежнему видят его в других цветах. Нейробиологи объясняют это хроматической адаптацией. Этот механизм был выработан в процессе эволюции, чтобы лучше ориентироваться в пространстве и различать предметы. Из-за яркого света на заднем плане человек воспринимает голубые оттенки на фотографии как тени и игнорирует их, из-за чего платье для него выглядит белым. Точно так же те, кто видит платье черным, не обращают внимания на золотые оттенки.

Это явление связано с таким психологическим феноменом, как константность восприятия. Это свойство зрительного образа оставаться неизменным при изменении условий восприятия. Мы видим нашу любимую рубашку синей как при свете дня, так и в плохо освещенной комнате, так как мы автоматически учитываем информацию об уровне освещения. Но если убрать эту информацию, мы увидим рубашку в разных цветах. Этот же механизм иллюстрирует фото, предложенное профессором психологии Университета Ритсумейкан Акиёши Китаокой: мы видим клубнику красной, хотя на изображении нет ни одного красного пикселя.

Искусство Древнего Рима.

Древнеримское искусство фактически ведёт отчёт со II в. до н. э., так как республиканский Рим стремился не к созерцательному познанию мира, а к практическому им обладанию.

В своём развитии Рим «не только не представляет места эстетическому опыту в системе ценностей своей культуры, но намеренно и упорно не хочет его признавать. Только архитектура имеет право на признание — и то, главным образом, как средство, пригодное для использования в целях управления общественными делами, и как военная инженерия, необходимая для ведения войн».

Рим не имел эстетической традиции или образа, связанного с идеей о природе или о сакральном. Поэтому всё, что относилось к изобразительности (будь то этрусское или греческое искусство) считалось чуждым и посему опасным для сохранения жёсткой суровой традиции образа жизни.

Искусство было недостойным низким ремеслом для римского гражданина. Однако искусство других народов, трофейное, считалось достойной наградой победителю.

Выставленное на форуме, оно свидетельствовало о римской доблести и становилось достоянием отечественной истории. Возникла новая эстетика: искусство рассматривалось как история в образах, доступная и простакам.

Также искусство имело воспитательную роль и становилось орудием управления. Этрусское искусство очень подходило для подкрепления этого тезиса. Эллинистическое, хоть и построенное на созерцании и познании, философии прекрасного — использовалось римлянами в утилитарных целях. Первые непосредственные контакты Рима с изобразительной культурой эллинизма восходят к III веку до н. э. — через Великую Грецию. В II в. до н. э., после покорения Греции, контакты стали интенсивными. В следующем столетии, при императоре Августе, классическое искусство получило статус государственного (августовский классицизм). Параллельно с ним в Италии существовали разнообразные эллинистические течения, которые в период упадка империи смешались с провинциальными направлениями. Так в Риме установился художественный плюрализм.

Амфитеатр

Своеобразными местами отдыха и развлечений были также римские бани, которые назывались т е р м ы. Там были комнаты для мытья, раздевалки, бассейны для плаванья, залы для прогулок, спортивные площадки и даже библиотеки. Просторные залы были перекрыты сводами и куполами, стены облицованы мрамором.

На краю площадей нередко сооружали большие судебные и торговые здания — б а з и л и к и. В Риме были созданы и дворцы правителей, и многоэтажные дома для бедняков. Римляне со средним достатком жили в отдельных домах, который окружал открытый дворик — а т р и у м. посредине атриума был бассейн для дождевой воды. Позади дома был двор с колоннами, садом, фонтаном.

Римский Акведук представляет собой водопровод, но одновременно функциональное и тщательно продуманное, совершенное искусство. Поверху шел канал, отделенный карнизом, ниже — арки, еще ниже — зрительно обособленные от арок опоры. Длинные непрерывные горизонтали скрывали высоту и подчеркивали бесконечность уходящего вдаль водопровода.

Геометрический стиль

Самым древним стилем вазописи является геометрический стиль IX — VIII вв. до н.э.), получивший свое название от геометрических орнаментов, которые украшали изделия керамики.

Лучшие образцы греческой вазописи геометрического стиля — это афинские амфоры VIII века до н.э. Их росписи отличаются высоким художественным совершенством, строго продуманной композицией и удачно сочетаются с формой сосуда.

Рисунки на вазах исполнены блестящей темно-коричневой краской, которую условно называют «лаком». Они расположены горизонтальными фризами, четко отделенными один от другого.

В каждой полосе многократно повторяется определенный геометрический узор: треугольники, покрытые сеткой, ромбы с точкой посредине, различные варианты рисунка из переплетающихся линий — меандра, который впоследствии получил широкое распространение и в архитектуре, и в декоративном искусстве античного мира.

Часто горизонтальные полосы включали квадратные поля, и художник заполнял их фигурками зверей и птиц, розетками и стилизованными листьями, а также изображением креста с загнутыми под прямым углом концами, который считался солнечным знаком у многих народов древности. Центром геометрического стиля являлись Афины.

Перегружена ли картина?

Некоторые картины кажутся симметричными, а некоторые вызывают удивление. Как полотно еще не накренилось? Это больше касается картин, где изображено большое количество объектов. Самый простой пример – натюрморт или баталии.

Самый банальный способ уравновесить вашу картину – расположить объекты треугольников. Один центральный и равномерно вокруг более мелкие объекты. Помните, что излишняя симметрия делает картину скучной.

Второй вариант хорошо работает в цветах. Расположите все объекты по кругу. Такая картина точно будет симметричной, особенно если вы не будете искусственно что-то выделять.

Диагональ или линия. Вот здесь хочется что-то положить на другой край картины, она выглядит несимметричной. Такая композиция тоже много где используется, но художники уравновешивают ее другими способами, а для новичков не рекомендую.

Если вы только начинаете рисовать, то старайтесь уравновешивать картину, при этом избегая излишней симметрии. И не забывайте про акценты.

Вазопись

Древняя Греция вошла в историю мировой культуры благодаря прекраснейшим произведениям скульптуры и вазописи. С тех времен сохранилось очень малое количество истинно греческих подлинников. Большинство произведений доступных нам, представляют собой копии римских мастеров.

Замечание 1

Изобразительное искусство Древней Греции представлено в основном вазописью. Греки к гончарному ремеслу относились, прежде всего, как к искусству, а уже во вторую очередь как к производству посуды для быта.

Самое древнее сохранившееся произведение — это вазы из Дипилона, относящиеся к $8 веку до н.э.$ Вазы достигали высоты до полутора метров и являлись надгробными памятниками около греческих поселений. Поверхность ваз украшалась орнаментом, состоящим из кругов, треугольников, ромбов или квадратов, называющимся геометрическим. Изображения воинов и колесниц, мужчин и женщин, птиц и животных наносились на вазу поясами и создавали ритм кругового движения.

Одним из самых выразительных произведений вазописи является амфора из Дипилона. Поверхность вазы состоит из горизонтальных лент, заполненных геометрическим узором. В самой широкой части вазы изображена сцена оплакивания умершего грека, находящегося в окружении плакальщиков с обращенными к небу руками. Их тела вазописец уподобил треугольникам, а руки обозначил ломаными линиями. Все это выражает экспрессию чувств и подчеркивает идею о бренности человеческого бытия.

Краснофигурная роспись.

Чернофигурная техника прекрасно отвечала задаче украшения краснофигурный стиль вазописи ваз в греческой вазописи, однако условный плоскостной рисунок ограничивал возможности художников в передаче движений.

В V в до н. э. афинские вазописцы создали технику краснофигурной росписи.

Обведя контуры фигур, все свободные от изображений части вазы покрывали черным лаком. Затем птичьим пером или тонкой кисточкой художник наносил линии, передающие складки одежды, мускулы тела и черты лица. При обжиге лак приобретал ровную зеркальную поверхность с удивительным по красоте оливковым отливом, а светлые фигуры особенно выразительно выступали на этом фоне. Краснофигурная вазопись развивалась с последней трети VI по IV век до н.э., центром этого стиля были Афины.

Краснофигурный стиль в свою очередь принято делить на строгий, свободный, роскошный и беглый стили.

Самым ранним был строгий стиль, и сюжеты его росписей близки по тематике рисункам на античных чернофигурных вазах. Это прежде всего мифологические сцены: пиры богов, их борьба с гигантами, изображение бога Диониса; героический эпос – подвиги Геракла, античного героя Тезея, Троянский цикл, приключения Одиссея; наконец, изображение простых смертных, встречающееся чаще, чем на чернофигурных вазах.

Образ человека, в облике которого выступал и герой, и бог, занимал главенствующее место в вазописи того периода, оттесняя изображения животных и фантастических мифологических кратер краснофигурного свободного стиля с Артемидой, кормящей лебедя чудовищ. Человеческие фигуры на вазах строгого стиля изображались так же, как и в чернофигурной технике.

Во второй половине V века до н.э. происходит постепенный переход от

плоскостного к объемному изображению фигур. Появился свободный стиль, для которого стала характерна передача любой позы, любого поворота головы или торса, любого самого трудного ракурса. Глаза получили реальную трактовку, одежду теперь показывали, как мягкую ткань, легко облегающую тело. Образцами ваз, расписанных в свободном стиле, являются Лекиф с Артемидой, кормящей лебедя, и кратер со сценой истребления Ниобидов.

Невидимая горилла

Мы замечаем далеко не все, что происходит вокруг, даже если событие или объект находится в поле нашего зрения. В 1970-х годах Ульрик Найссер провел эксперимент: участникам показывали по телевизору баскетбольный матч и просили следить за передачами мяча, с чем большинство справлялось успешно. Но зрители, сконцентрированные на пасах, не замечали девушку с зонтом, которая проходила на экране во время игры из угла в угол. Если люди отвлекались от перемещений мяча, они видели девушку. Через 30 лет этот эксперимент воспроизвел чикагский психолог Дэниел Саймонс, но теперь вместо девушки между игроками перемещался человек в костюме гориллы. Это явление назвали «слепотой по невниманию».

Другой распространенный феномен — слепота к изменению. Мы можем не заметить изменения, если оно произойдет в момент, когда мы ненадолго отвлеклись от предмета, на котором были сконцентрированы. В эксперименте с гориллой те зрители, которые заранее знали о ней, не замечали изменений цвета занавеса, на фоне которого происходило действие. Также существует слепота к повторению: мы можем не замечать один из двух дублирующих друг друга объектов, например два одинаковых слова подряд в текстовом редакторе — именно поэтому одно из них программа выделяет красным подчеркиванием. И наконец, мы можем не видеть того, чего сами не хотим замечать, — так происходит в случае с баннерной рекламой в интернете.

Список литературы

https://ru.wikipedia.org/wiki/
http://www.junior.ru/mhk/trubarova/vazopis3.htm
http://cvetamira.ru/iskusstvo-drevnego-rima-arhitektura-skulptura

Искусство эпохи Возрождения (Общая характеристика)
Планирование проекта (Процессы планирования. Уровни планирования)
Торги и контракты (Основные понятия и определения)
Искусство эпохи Возрождения (Изобразительное искусство)
Гератский центр миниатюры в ранний период XIV в.
Функциональные возможности СЭД (Основные понятия и классификация СЭДО)
Модели жизненного цикла информационного проекта
Управление качеством проекта
Гипертекстовые и мультимедийные информационные технологии (Особенности мультимедийных технологий)
Искусство конца XIX – начала XX века. Импрессионизм в живописи и скульптуре. Творчество Огюста Ренуара, Клода Моне, Камиля Писарро, Огюста Родена.
Краткая история книги.
Искусство эпохи Возрождения (Общая характеристика)

Иллюзия Понцо

Этот феномен также называют иллюзией железнодорожных путей. Итальянский психолог Марио Понцо в 1913 году предположил, что мозг человека определяет размер объекта по его фону, и продемонстрировал это, нарисовав два равных отрезка на фоне двух сходящихся вверху линий, напоминающих уходящее вдаль железнодорожное полотно. Верхний отрезок кажется нам больше. Дело в том, что мозг интерпретирует рисунок как перспективу: все, что удалено от нас, кажется нам меньше, чем объекты, находящиеся близко. В случае с равными отрезками мы делаем поправку на это знание: мы думаем, что верхний отрезок расположен дальше, и полагаем, что его размер больше. В психологии это объясняется теорией Гельмгольца. В этой теории различаются первичный образ — то, что возникает в голове непосредственно в результате воздействия, — и образ-представление — это наши знания, позволяющие нам опознать объект.

Горизонталь или вертикаль

И еще кусочек. Разные композиции вызывают в зрителе разные эмоции. Ваша картина может быть как бы приплюснутой, горизонтальной. Это вызывает чувство спокойствия, уюта, неизменности.

Вертикаль, например, готический собор, навевает мысли об устремлении вверх, преодолении трудностей, стремлении к идеалам. Диагональ добавляет движение, как дорога уходящая вдаль. И есть ломаные, непрямые линии.

Природа всегда плавная, вы не найдете веточку, которая бы росла под прямым углом, или изломанную линию роста деревьев. Нет, только плавные, закругленные линии. Если же рисуете не природу, а, например, битву или городской пейзаж, то изломов не избежать. Ломаные линии дают картине жизнь, движение.

Ковровый стиль

В VII — VI вв. до н.э. преобладал ковровый стиль вазописи или ориентализирующий, то есть подражающий искусству Востока.

Под воздействием образов древневосточной мифологии вковровый стиль вазописи ковровой вазописи все чаще встречаются изображения богов и сцены сражений, фигуры различных животных: быки и олени, кабаны, орлы и водяные птицы, львы и пантеры. Подражание декоративным мотивам египетского и переднеазиатского искусства также ощущается в выборе орнаментальных узоров.

Художники охотно использовали для украшения ваз стилизованные пальмовые листья, цветы и бутоны лотоса. Но по сравнению с геометрической керамикой VIII века до н.э. в росписях коврового стиля орнаменту уделяется меньше места, чем сюжетно-повествовательным изображениям.

Росписи на вазах VII века до н.э. исполнены темно-коричневым лаком по светлой глине.

В отличие от силуэтных однотонных орнаментов на геометрических сосудах художники применяют гонкий контурный рисунок, обозначая детали процарапанными линиями, а также белой и пурпурной краской. Фризы идущих друг за другом зверей располагались последовательно на округлой поверхности вазы, а свободное пространство между фигурами заполняли орнаментальные мотивы. Все это придавало росписям праздничную нарядность и живописность, делало чернофигурный стиль вазописиих похожими на узорчатые ковры. Росписи прекрасно сочетались с пластичной и сочной формой сосудов. Центрами коврового стиля вазописи являлись Родос и Коринф.

Размеры

Вы решили нарисовать несколько объектов, какие же выбрать? Например, для натюрморта может сгодиться любой продукт из холодильника, какое разнообразие выбора! Общая рекомендация – не брать продукты одного размера. Если вы берете три объекта, то это может быть капуста, яблоко и клубника, то есть по убывающей размера.

Обратите внимание! Если объекты можно пересчитать беглым взглядом, то их лучше рисовать нечетное количество. Рисуете природу? Выбирайте ракурс с деревьями разного размера, особенно если они служат акцентами. У вас одно дерево?. А вот «поставьте» в противоположный угол людей, телегу, стаю ворон – да что угодно, что уравновесит картину

Это про пункт с расположением предметов, конечно, а тут я пишу, чтобы показать, что второе дерево может и вовсе быть не нужным

А вот «поставьте» в противоположный угол людей, телегу, стаю ворон – да что угодно, что уравновесит картину. Это про пункт с расположением предметов, конечно, а тут я пишу, чтобы показать, что второе дерево может и вовсе быть не нужным.

Мифология в изобразительном искусстве

К 6 веку до н.э. в вазописи сформировался чернофигурный стиль, который выражался в обозначенным контуром изображений. Контур наносился на глиняную поверхность густым черным лаком. Естественный цвет глины, при этом, подчеркивали охрой, и после обжига она обретала оранжево-красный ровный тон. На данном фоне очень четко выделялись силуэты животных и людей. Орнамент идеально сочетался со сценами, размещенными свободно на стенках сосудов. С течением времени вазы становятся меньше и изящнее по форме, все чаще на них изображаются мифологические сюжеты.

Крупнейший мастер чернофигурной керамики — Эксекий. Свои произведения он подписывал слогоном: «Эксекий сделал». Темами его росписей были преимущественно мифологические сюжеты: подвиги Геракла, битва греков с амазонками, сцены из «Илиады» Гомера. Каждое из произведений этого мастера отличает гармония формы вазы и росписи, строгая лаконичность манеры письма, внутренняя экспрессия.

Истинным шедевром среди ваз Эксекия стала амфора с изображением Ахилла и Аякса, которые играют в кости. Эта композиция построена с высоким мастерством. Спины героев сюжета соединяются в большой полукруг, очень символично ограничивая внутреннее пространство, внутри которого реализуется мучительный выбор между смертью и жизнью. В игре они совсем забыли о войне между ахейцами и троянцами.

Краснофигурный стиль вазовой живописи

Наблюдения над явлениями реальной жизни раскрывали перед художниками-керамистами всё новые и новые возможности, а между тем силуэтный чернофигурный стиль связывал их своей условностью и не позволял им применить свои открытия на практике. Неизбежен был разрыв с традиционной, просуществовавшей около ста лет чернофигурной техникой и переход на другой, более современный способ выражения художественных замыслов.

Это и произошло около 530 г. до н. э., когда чернофигурная техника сменилась краснофигурной. Декоративный эффект расписных ваз остался при этом тем же: он основывался на контрасте двух тонов — черного и красного, но соотношение их стало обратным: вместо черных фигур по красному полю теперь появились красные фигуры по черному полю. Процесс раскраски сосудов начинался, как и при чернофигурной технике, с нанесения эскиза на чистый фон сосуда, с той разницей, что контуры фигур обозначались краской, а не нарезными линиями.

Затем лаком заливали не сами фигуры, а все свободные от изображений части сосуда, так что фигуры выделялись на этом фоне в виде светлых силуэтов. При помощи линий, проводимых тем же густым или разжиженным лаком, светлые силуэты могли подвергаться дальнейшей обработке, что открывало перед художниками новые возможности в отношении построения фигур и развития рисунка.

История вазописи от 530 до 480 г. до н. э. — одна из интереснейших страниц в истории античного искусства, раскрывающая картину борьбы старых графических приемов с новыми началами восприятия и художественной передачи действительности, до той поры неизвестными не только грекам, но и другим народам древности.

Шаг за шагом отвоевываются новые позиции; отдельные мастера учатся и совершенствуются, вырабатывают свою художественную индивидуальность и влияют на современников. Соревнование между отдельными художниками способствует открытию новых принципов, которые становятся в конце указанного периода общепризнанными достижениями графического искусства.

Первые годы после внедрения краснофигурного стиля заняты были освоением новой техники. Ряд мастеров, уже добившихся известности в качестве художников чернофигурного стиля, перенимает новую технику, производит эксперименты и пользуется ею параллельно со старой техникой. Их стиль не содержит в себе существенно новых черт. На смену мастерам переходной эпохи в последние два десятилетия выступает поколение молодых художников воглаве с двумя наиболее яркими талантами, Евтимидом и Евфронием. Первому принадлежит сцена вооружения Гектора в присутствии Приама и Гекубы.

Композиция состоит из трех фигур, которые движутся уже не на плоскости, как в сходных сценах чернофигурного стиля, а в пространстве. Гектор обращен к зрителю впрямь, и левая нога его дана в ракурсе. Благодаря этому фигура Гектора приобретает объемность, фон получает значение открытого пространства, и вся сцена воспринимается как сколок с живой действительности. На вазе имеется красноречивая надпись: «Написал Евтимид, сын Полия, как никогда не написать Евфронию».

Соперник Евтимида, Евфроний — крупная художественная индивидуальность, мастер сильного движения, изучавший анатомию человеческого тела, и талантливейший рисовальщик. Его «Борьба Геракла с Антеем», со смелым треугольным построением центральной группы и мастерской передачей анатомии человека, является высоким образцом рисовального искусства. Но в передаче складок одежды Евфроний еще не сумел освободиться от архаической условности.

В конце архаического периода достижения отдельных мастеров предшествующих десятилетий сливаются воедино и образуют новый свободный графический стиль. Работы Дуриса, хорошего рисовальщика, но художника консервативного склада, показывают совершенно свободное и уверенное обращение с ракурсами, не подчеркнутую, как у Евфрония, но правильную передачу анатомии человека и естественность в расположении складок одежды.