Самые известные натюрморты

Слайд 21Этот натюрморт Сезанна поражает симфонической глубиной и высочайшим мастерством художника в

изображении обычных предметов — ковра, столовой скатерти, посуды, фруктов. Один из молодых художников посетил мэтра в 1898 году, когда тот работал над этой картиной, и позже вспоминал о том, с какой тщательностью раскладывал Сезанн отобранные для композиции предметы: «Сначала часть стола была прикрыта искусно сложенной скатертью. Затем Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за проявлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая для этого под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение.».

Дата создания картины: около 1900 г. Размеры: 73 х 93 см Музей д’Орсэ, Париж

Покрытый плотным узором ковер образует изысканный задний план, характерный для поздних натюрмортов Сезанна.

Кувшин с цветочным узором по белому фону одновременно перекликается по цвету и со скатертью, и с фруктами.

Белая скатерть служит не просто фоном для разложенных на ней предметов, но интересна сама по себе — она выглядит живой, шевелящейся, переливающейся каскадом складок и теней.

Фрукты написаны Сезанном насыщенными оттенками красного и оранжевого.

Этот натюрморт Сезанна поражает симфонической глубиной и высочайшим мастерством художника в изображении обычных предметов — ковра, столовой скатерти, посуды, фруктов. Один из молодых художников посетил мэтра в 1898 году, когда тот работал над этой картиной, и позже вспоминал о том, с какой тщательностью раскладывал Сезанн отобранные для композиции предметы: «Сначала часть стола была прикрыта искусно сложенной скатертью. Затем Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за проявлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая для этого под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Поль Сезанн биография

Поль Сезанн (1839–1906) – французский художник, родился в Экс-ан-Прованс. Биография Сезанна известна как история лидера революции абстракционизма в современной живописи.

С раннего детства Поль был другом Эмиля Золя, который время от времени поддерживал творчество Сезанна. В 1861 году художник отправился в Париж, где встретился с Камилем Писсаро. Известный импрессионист сильно повлиял на развитие Сезанна как художника.

Поль делил свое время между Провансом и Парижем до самого отъезда в Экс в 1899.

Ранние работы Поля Сезанна отмечены частым использованием мастихина (лопатки). Так Поль создавал густо текстурированные, сильно деформированные формы, фантастические, мифические сцены. Столь импульсивная живопись проявилась также в последующих стилях художника, как будто предчувствуя экспрессионистскую манеру 20 века.

Сезанн познакомился с творчеством Моне, других импрессионистских художников. После 1870 года он увлекся использованием цвета для передачи перспективы. Однако устойчивый, распространяемый свет в его работах чрезвычайно далек от импрессионистской манеры переходящих световых эффектов.

Картина «House of the Hanged Man» (1873-1874, Лувр) характеризует данный период в биографии Сезанна. Он выставлял свои работы на групповых показах в 1874 году, однако позже отошел от импрессионистского стиля, развивая крепкое строение своих полотен.

Например, «Mont Sainte-Victoir» (музей «собрание Филлипса», Вашингтон), натюрморт «The Kitchen Table» (1888-1890, Лувр), композиция «The Card Players» (1890-1892). Его портреты как бы исследуют жизненные черты героев.

Например, работы «Madame Cezanne» (1885), «Ambroise Vollard».

В своей биографии Поль Сезанн развивал новый тип пространственных образцов. Вместо стандартных фокусировок на перспективе, он изображал объекты с меняющихся точек обозрения. Сезанн создал эффект колеблющейся системы, играя перпендикулярными плоскостями, нежно перемещая тона и цвета.

Во всех работах Сезанна открывается почтение к чистоте, достойности простых форм путем изображения их с почти классической структурной устойчивостью. Его «Bathers» (1898–1905, музей искусств Филадельфии) является монументальным воспроизведением многочисленных визуальных систем Сезанна.

Более поздние работы Поля Сезанна в большинстве случаев – натюрморты, фигуры мужчин, периодически природные объекты. Среди этих работ известен натюрморт с яблоками.

Пытаясь сохранить твердую основу, в своих работах художник казался более свободным, спонтанным. Он применял больше прозрачных эффектов, чем в ранних работах.

Влияние Сезанна на дальнейшее направление развития искусства, в основном кубизма, колоссально. Его теории породили новую школу эстетического критицизма, особенно в Англии.

Именно этот факт возвышает биографию Поля Сезанна над другими французскими мастерами того времени.

Коллекция его картин представлена в Лувре, музее «Метрополитен», музее современного искусства в Нью-Йорке, музее «Фонд Барнса» города Мерионе.

Будь в числе первых на доске почета

Слайд 9Ясон. 1865Изучая картины мастеров прошлого, Моро приходит к убеждению, что художник

в своем творчестве должен следовать принципу «необходимого великолепия». «Обращайтесь к великим мастерам, — говорил Моро. — Они не учат нас создавать бедное искусство. Художники разных времен использовали в своих картинах все, что им было известно наиболее богатого, блистательного, редкостного, даже наиболее странного, все, что в их среде считалось роскошным, драгоценным… Какие наряды, какие короны, какие драгоценности… какие резные троны! …Великие и простодушные гении включают в свои композиции неведомую и нежную растительность, восхитительную и причудливую фауну, охапки цветов, гирлянды небывалых плодов и грациозных животных.»

История одной семьи и одного портрета

портрет четы Арнольфини

Изначально название картины было неизвестно, только через сто лет оно всплыло из инвентарной книги: «Большой портрет Hernoult le Fin в комнате со своей женой». «Hernoult le Fin» является французской формой итальянской фамилии Арнольфини. Арнольфини были большой купеческой и банкирской семьёй, имевшей в то время отделение в Брюгге.

лица

Долгое время считалось, что на картине изображены Джованни ди Арриджо Арнольфини со своей женой Джованной Ченами, но в 1997 году было установлено, что они заключили брак в 1447 году, на 13 лет позже появления картины и спустя 6 лет после смерти ван Эйка.

Сейчас считается, что на картине изображены или Джованни ди Арриджо со своей предыдущей женой или двоюродный брат Джованни ди Арриджо — Джованни ди Николао Арнольфини со своей женой, имя которой неизвестно. Джованни ди Николао Арнольфини был итальянским купцом из Лукки, жившим в Брюгге с1419 года. Существует его портрет работы ван Эйка, позволяющий предположить, что он являлся другом художника.

Полотно написано в 1434 году в Брюгге, в ту пору бывшим крупным торговым центром Северной Европы. Из России и Скандинавии привозились в него лес и меха, с Востока через Геную и Венецию шелк, ковры и пряности, из Испании и Португалии лимоны, инжир и апельсины. Брюгге был богатым местом

Супружеская пара, изображённая на полотне ван Эйка, богата. Это особенно заметно по одежде. Она — в платье, отороченном мехом горностая, с длинным шлейфом, который при ходьбе должен был кто-нибудь нести. Передвигаться в таком платье можно было лишь при соответствующем навыке, который был возможен только в аристократических кругах.

Джованни

Он — в мантии, отороченной, может быть, даже подбитой, норкой или соболем, по бокам с разрезом, что позволяло ему свободно двигаться, действовать. То, что этот человек не принадлежит к аристократии, видно по его деревянным башмакам. Господа, чтобы не испачкаться в уличной грязи, ездили верхом или в носилках.

Этот иностранный купец жил в Брюгге в аристократической роскоши, у него были восточные ковры, люстра, зеркало, верхняя часть окна его дома была остеклена, и на столе у него лежали дорогие апельсины.

Однако комната по-городскому узка. Кровать доминирует в обстановке, как и обычно в городских покоях. Днём занавес на ней поднимался, и в комнате принимали гостей, сидя на кровати. Ночью занавес опускался, и возникало закрытое пространство, комната в комнате.

невеста

Невеста на картине одета в роскошное праздничное платье. Белое подвенечное платье вошло в моду только с середины XIX века. По мнению некоторых исследователей, её округлый живот не является признаком беременности, а вместе с высоко перетянутой маленькой грудью отвечает представлениям об эталоне красоты в эпоху поздней готики.

Также количество материи, которое ей приходится носить, соответствует моде того времени. По мнению исследователей, это не более чем ритуальный жест, в соответствии с современными отношениями к семье и браку, предназначавшийся для обозначения плодовитости, поскольку двойной портрет был написан по случаю свадьбы этой пары. В то же время положение руки женщины всё же допускает возможность того, что она беременна, но также возможно, что она просто приподняла подол платья.

Картина является визуальным доказательством свадебной церемонии, более того, она даже «работает» как брачное свидетельство, поскольку документирует присутствие художника и вследствие этого, свидетеля церемонии, в его подписи на дальней стене.

брак левой руки

Дата создания картины: около 1895 г. Размеры: 71 х 57 см Галерея Курто, Лондон

«Реальная» синяя драпировка, на которой стоит тарелка, сливается с синей материей, изображенной на прислоненной к стене картине. Перья зеленого лука сливаются с ножкой стола на картине: таким образом, «реальное» и «искусственное», смешиваясь, образуют как бы новую «реальность». Помещенное на заднем плане яблоко одинаково по размеру с яблоком, лежащим на столе на переднем плане, что является нарушением законов перспективы. Правая нога Купидона бросает на подставку статуэтки косую тень, перекликающуюся по форме с правой луковицей.

Гипсовая статуэтка, которую Сезанн приобрел для этого натюрморта, сохранилась до наших дней — ее можно увидеть в музее художника в Эксе. Статуэтка эта не слишком крупна (она не достигает в высоту и 50 сантиметров), но та картине изображена так, что выглядит гораздо большей. Это один из самых непростых натюрмортов Сезанна. Его отличает прихотливая композиция.

Помимо гипсового Купидона, мы видим на холсте прислоненные к стене картины. Одна из них (ближняя к зрителю) — «Натюрморт с бутылкой мятного ликера» кисти Сезана, находящийся ныне в Национальной галерее в Вашингтоне.

На второй картине (в правом верхнем углу) изображена другая гипсовая статуэтка. Любопытно, что Сезанн пишет так, что порой очень трудно отделить «живые» трехмерные вещи (Купидон, фрукты и овощи, стол) от «плоскостных» (картины). Композиция составлена настолько необычно, что пространство в правой части картины словно сворачивается «наружу». Но, несмотря на всю необычность «построения», изображение великолепно сбалансировано и оттого не разваливается на части, а смотрится единым гармоничным целым.

Слайд 2К середине 1880-х гг. вновь произошло возвращение к религиозным истокам, породившее

искусство символизма (от франц. symbol — знак). Однако новая религиозность означала не возрождение моральных ценностей, а лихорадочную жажду мистического, сверхъестественного, неведомого. Неведомое, откуда еще ни один смертный не получил ответа, принимает разные облики. Это может быть красота, любовь, ужас, смерть, ничто.

Символизм (франц. symbolisme) – направление в искусстве, возникшее во французской живописи 60-х гг. XIX в. и достигшее особого распространения в 90-е гг. в литературе и изобразительном искусстве Франции и Германии. В России основной расцвет символизма наблюдался в начале XX в. преимущественно в литературе и театре.

Владимир Маковский (1846-1920 гг.)

Владимир Маковский. Автопортрет. 1905 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Маковского можно назвать баловнем судьбы. Он родился и вырос в обеспеченной и творческой семье. У него были все шансы стать салонным художником, как и его старший брат Константин Маковский.

Но Владимир любил побродить по ночлежкам и базарам. Он искал яркие типажи. Ведь он предпочитал жанровые сценки о тяготах простых людей. Поэтому его герои такие правдивые и эмоциональные.

На картине «Свидание» мы видим мать и сына. Сын был отдан в подмастерье. Мать навещает его, купив в подарок калач.

Владимир Маковский. Свидание. 1883 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Босой мальчик жадно впивается зубами в хлеб. Сразу становится понятно, в каких ужасных условиях живет и работает ребёнок. Мать это понимает. В ее грустных глазах все легко читается. Но сделать она ничего не может.

Нищета не позволяет ей забрать сына. А может ещё теплится надежда, что однажды сын сможет стать мастером и «выбьется в люди». Но в любом случае, настоящего детства у мальчика нет.

А вот ещё одна история «На бульваре». После отмены крепостного права далеко не всем крестьянам достались земельные наделы. И уезжали работать в города, чтобы прокормить семью.

Молодой парень так и сделал. Устроился дворником. И вот через какое-то время к нему приехала молодая жена с младенцем. Вот их мы и видим на скамье на Сретенском бульваре Москвы.

Владимир Маковский. На бульваре. 1887 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Муж уже привык к вольной жизни. Поэтому жена для него лишь помеха. Понимая это, девушка сидит как оглушенная, пытаясь осознать своё несчастье. И пейзаж соответствующий: ноябрь, опавшая листва, одинокие прохожие.

Картины Маковского очень литературны. Это скорее истории. По ним мы понимаем всю жизненную ситуацию героев: что предшествовало запечатлённому моменту. И что их ждёт впереди.

Абрам Архипов

Абрам Архипов. Автопортрет. Частная коллекция

Архипов был выходцем из очень бедной семьи. Но мы почти не увидим у него трагичных сюжетов. К тому же он больше остальных передвижников тяготел к импрессионизму. Который волей-неволей смягчает любую драму.

Но есть у Архипова главный шедевр, «Прачки», который как нельзя лучше вписывается в концепцию передвижников.

Однажды художник случайно забрёл в подвал одного дома. И увидел бедных женщин, которые с утра до позднего вечера возятся в корытах с водой.

Он был крайне поражён их тяжким трудом. Поэтому не мог не создать своих «Прачек».

Абрам Архипов. Прачки. 1901 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Пожилая женщина без сил опустилась на скамью. Ее худая, скрюченная рука кажется слишком миниатюрной для такого адского труда.

Лиц молодых прачек мы не видим. Будто Архипов даёт им надежду однажды вырваться из этой бесконечной круговерти тазов, мыла и пара.

Но все же Архипов предпочитал не грустить. И чаще изображал счастливых женщин.

В этой статье и так было много поводов для грусти. Поэтому завершу пост на более позитивной ноте. Портретом довольной и нарядной крестьянки.

Абрам Архипов. Женщина в красном. 1919 г. Нижегородский художественный музей

Товарищество передвижных выставок просуществовало 53 года (1870-1923 гг.). Уже в конце 19 века их стали все чаще критиковать. Обвиняя в литературщине и гипертрофированном трагизме.

А с возникновением моды на модерн и беспредметное искусство и вовсе перестали покупать.

Но вклад художников-передвижников в развитие русского искусства колоссальный. Живописное мастерство художников, работающих в свободной атмосфере, поднялось на невероятную высоту.

В том числе поэтому многие шедевры русской живописи созданы именно во второй половине 19 века, в пору рассвета эпохи передвижничества.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Слайд 12Полотно «Юпитер и Семела» (1896, Париж, Музей Гюстава Моро) заполнено аллегорическими

фигурами, символизирующими Смерть, Страдание, чудовищ Ночи, Эреба, Гения земной любви, Пана и т. д. Пространство заплетено фантастическими растениями, причудливыми архитектурными формами, скульптурными изваяниями. Кисть не поспевает за воображением и фантазией живописца, поэтому многие работы оставались незавершенными, а главное, зрителю, без словесной интерпретации самостоятельно трудно разобраться в этом нагромождении символов. Легенда о Семеле (умолившей Юпитера предстать перед ней во всем его грозном могуществе и погибшей, дав жизнь в миг смерти богу виноделия Дионису), превращается в некий мистический трактат.

Сочинение по картине В.Е. Маковского «Свидание». Слово о художнике Владимир Егорович Маковский 1846 — 1920. — презентация

1 Сочинение по картине В.Е. Маковского «Свидание»

2 Слово о художнике Владимир Егорович Маковский

3 Родился в семье бухгалтера и художника-любителя, основателя Московского училища живописи. С детства занимается живописью под руководством В.А. Тропинина. Закончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1869 г.

за картину «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей (Ночное)» получил золотую медаль и звание художника 1-й степени. Преподавал в Московском училище живописи и Петербургской Академии художеств. Профессор Академии художеств.

4 Выдающийся мастер жанрово-бытовой живописи. Его ранние, небольшие по формату композиции добродушно-анекдотичны, посвящены заботам и нехитрым радостям «маленького человека». Часто посвящал свои композиции различным социальным типажам. Со временем в тонких психологических мизансценах Маковского все явственней проступала тема «униженных и оскорбленных».

5 Вернисаж картин художника В мастерской художника В ожидании аудиенции
6 В полдень. Толкучий рынок в Москве В приемной у доктора Вечеринка
7 Гитарист Императрица Мария Федоровна Старик с газетой

8 Две матери. Приемная мать и родная мать Две сестры К венцу. Прощание

9 Дети у огня Истопники На бульваре
10 Крах банка Не пущу! Посещение бедных Ночлежный дом
11 Ожидание Оправданная Осужденный
12 Пастбище Перед объяснением. Свидание Собирание грибов в Финляндии Цыганское гадание
13 Печальная новелла о выходцах из деревни, которых всасывает в себя мрачный и жестокий город – «Свидание», 1883 г.

14 Опишите чувства, которые возникают у вас, когда вы смотрите на эту картину. Какие произведения русской литературы вспоминаете, рассматривая картину?

15 Как мать смотрит на своего сына? Как часто встречается со своим сыном? Как она выглядит? В какое время года произошла их встреча? Как живется матери?

16 Как мальчик ест? Как он одет? Как он смотрит? Как ему живется? Как вы понимаете выражение отдан «в люди»?

18 План сочинения 1. Слово о художнике. 2. Портрет матери. 3. Портрет мальчика. 4. Описание обстановки (интерьера). 5. Какие чувства вызывает картина?

Сочинение по картине Маковского “В мастерской художника” — Сочинения, рефераты, доклады на все темы

В художественной школе нашему классу дали задание: нарисовать осенний пейзаж. В пример преподаватель представил нам иллюстрации нескольких картин. Больше всего меня поразила картина Поленова Василия Дмитриевича «Золотая осень».

Картина выполнена в мягких желтых, голубых и зеленых тонах, это говорит о том, что художник находился в хорошем, спокойном настроении, когда создавал это произведение искусства. Пожелтевшие листья, готовящиеся упасть на землю, напоминают золото. В гуще золотистых деревьев сквозят молодые зеленые сосенки, а три старые сосны, собравшись в кучу, возвышаются над ними.

Подробнее…

Сочинение по картине Пластова «Саня Маликов»

Картина Пластова «Саня Маликов» – это отражение тяжелого послевоенного детства и символ человеческого страдания.

Традиционно и люди, и животные заботятся о своем потомстве, вкладывают в него все силы и душу.

Человек как существо высшее, понимает, что от правильного воспитания детей будет зависеть будущее всех людей. А на картине мы видим мальчика, судьба которого оставляет желать лучшего.

Саня Маликов – это типичный образ подростка тех лет, когда все люди боролись за выживание.

Подробнее…

Сочинение по картине Верещагина “В штыки! Ура! Ура!”

Снова зима, и снова французская армия, запечатленная на картине Верещагина. Что не хватало этим некогда бравым солдатам, что они пришли умирать на русскую землю? Художник, верный себе показал, что, даже имея совсем небольшой отряд, русские ринутся в бой, защищая свою родину. Им отступать некуда, за свое борются.

Картина “В штыки! Ура! Ура!” написана настолько натурально, что кажется, сам автор там был и слышал призывные полководца взяться за штыки. А в ответ громко прозвучало с готовностью сражаться лихое “Ура. “.

Подробнее…

Сочинение по картине Репина “Иван Грозный и сын его Иван”

Это один из примеров обращения художника к историческим сюжетам, вызывавшим у него ассоциации с событиями современной российской жизни. Впервые мысль написать горестный эпизод из жизни Ивана IV Грозного пришла Репину в 1882 году после концерта Римского-Корсакова на Московской выставке.

С одной стороны, Репин захотел создать что-то подобное услышанной музыке по силе ее трагизма. С другой стороны, картина явилась прямым откликом на 1 марта 1881 года – убийство императора Александра II. Сам художник находился под впечатлением этого и писал: “Какая-то кровавая полоса прошла через этот год. Кровавое событие 1 марта всех взволновало”.

Подробнее…

Сочинение по картине Васнецова «Баян»

Картина великого художника В. М. Васнецова «Баян» достаточно близка многим эпизодам русского произведения «Слово о полку Игореве».

На полотне изображен Баян, великий князь Игорь и его свита, они сидят полукругом. Князь одет в зеленую тунику и плащ бордового цвета. Все витязи внимательно слушают Баяна, дающего напутствие и поднимающего ратный дух.

Сильный ветер и грозное небо будто вторят рассказу седого старца о героизме русского народа, о великих сражениях.

Подробнее…

Сочинение по картине Маковского «Первый фрак»

Владимир Егорович Маковский — великолепный художник, непревзойдённый мастер жанрово-бытовых сцен.

С самого детства юный Маковский был окружён творческими людьми, поскольку его отец являлся одним из зачинателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

В пятнадцать лет Владимир поступил в художественное училище, которое основал его отец. Спустя ещё девять лет Маковский сам стал членом «Товарищества передвижных художественных выставок».

Появление этой творческой группы во второй половине XIX века ознаменовало рождение независимого русского искусства, свободного от академизма и жёстко установленных канонов.

Подробнее…

Сочинение по картине Рылова «Цветистый луг»

Аркадий Рылов – признанный мастер в изображении российских пейзажей, от которых у меня захватывает дух. Из всех его произведений, мне больше всего понравилась картина «Цветистый луг». Эта картина – настоящий гимн лету, бескрайним просторам России и истинной красоте природы.

На этой картине изображен зеленый луг, который усеян множеством белых цветочков. Они растут буквально повсюду и выглядят, как первый снег, который внезапно выпал солнечным теплым летом.

Подробнее…

Рисунок с мясом Фрэнсиса Бэкона.

Рисунок с мясом Фрэнсиса Бэкона, Институт искусств Чикаго.

Где это?Институт искусств ЧикагоЧто это такое?Определенно не на что смотреть перед сном.Почему это вещь?Номинативный детерминизм — это идея, что чье-то имя может в конечном итоге повлиять на его выбор карьеры или будущие действия. С такой фамилией, как Бэкон, все могло закончиться только одним способом: рис с мясом. Эта картина произвела фурор в 20-м веке и суммирует непочтительность, противоречивость и менталитет «не бояться оскорбить», которого придерживались современные художники, такие как Бэкон, в то время.Чтобы понять эту картину, вам сначала нужно вернуться немного глубже в историю искусства — вплоть до 1650 года, когда Диего Веласкес создал свой портрет Папы Иннокентия X. Рядом вы видите, что фигура на знаменитой картине Бэкона с изображением еды имеет довольно странное сходство с религиозным деятелем, изображенным Веласкесом. Основное отличие состоит в том, что вместо достойного святого человека версия Бэкона представляет собой скорее зомбированный труп, держащий свой трон, который, кажется, построен из туши мертвой коровы. Некоторые критики считают, что это современная версия картины vanitas, в которой изображения еды используются для представления смерти и мимолетности существования, в то время как другие считают это критикой религиозного авторитета.

№12 «Натюрморт с сиренью», Кузьма Петров-Водкин

Год: 1928

«Натюрморт с сиренью», 1928 г. Частная коллекция, Кузьма Петров-Водкин

Картина — типичный образец стиля художника. Он характеризовался незаурядной палитрой цветов, различными оптическими иллюзиями и новыми для зрителя точками обзора. Привычные вещи Петров-Водкин изменяет, прибегая к фактурному и цветовому контрасту предметов на картине. Центр композиции — ветка сирени, поставленная в стакан воды, и, скорее всего, свежесрезанная. Она окружена чернильницей из хрусталя, а также письмом, спичечным коробком, опавшими листьями и экземпляром L’Art Vivant. Именно этому французскому журналу в 1925 году Кузьма Сергеевич давал интервью. Композиция расположена на синей скатерти. Это произведение очень напоминает другое его «детище» — более позднюю «Черемуху в стакане» (1932). Натюрморт имеет большое значение в искусстве как жанр, позволяющий говорить языком предметов, создавать эмоциональную атмосферу. Сегодня он не утратил популярности. Многие маститые и начинающие художники изображают плоды, цветы, другие предметы в различных стилях. Наверняка некоторые из них со временем станут предметом восхищения и настоящей классикой.

Насыпь масла Антуана Воллона.

Курган масла Антуана Воллона, Национальная художественная галерея

Где это?Национальная художественная галерея, ВашингтонЧто это такое?Гигантская гора масла.Почему это вещь?Хотя масляные картины могут быть немного нишевым интересом (поздравляем всех, кто погуглил «масляные картины» и оказался здесь), это известное произведение искусства не зря является одним из величайших сокровищ Национальной галереи искусств. В XIX веке изображения еды и даже ее приготовления были очень популярны. В моде были натюрморты и кухонные сцены, и очень немногие из них делали их лучше, чем Антуан Воллон. Среди поклонников Воллона были такие знаменитости, как французский писатель Александр Дюма, который собрал многие из его картин, а богатая детализация и текстура этого холмика масла говорят вам все, что вам нужно знать о том, почему он был так популярен.

Основные идеи творческого объединения

Вдохновитель и теоретик передвижников – Иван Крамской. Концепция искусства Крамского основана на идеях Николая Чернышевского: картина должна не просто изображать действительность, а «интерпретировать для зрителя, способствуя просвещению и счастью человека». Идея объединения художников на базе передвижных выставок изложена в письме группы московских художников коллегам из Санкт-Петербурга.

В основе идеи передвижников лежат 5 принципов:

отказ от эстетического реализма;
отказ от академической рутины;
невосприимчивость к иностранным влияниям;
миссионерская роль искусства;
реализм.

В уставе общества говорится, что цель объединения – организация передвижных художественных выставок во всех городах империи для того, чтобы:

предоставить жителям провинции возможность ознакомиться с русским искусством;
развивать у людей любовь к искусству.

Также общество планировало помочь участникам, продающим свои работы, донести творчество до широкого круга зрителей.

Первая выставка состоялась в Петербурге 11 декабря (по старому стилю – 29 ноября) 1871 года в здании Академии художеств. На выставке представили полотна 16 живописцев. Затем картины экспонировались в Москве, Киеве, Харькове. Всего показали 82 произведения от 20 художников.

Особенной популярностью у аудитории пользовалась и до сих пор пользуется картина «Грачи прилетели» Алексея Саврасова. Живописец Иван Крамской писал другу Федору Васильеву о том, что выставка пользуется успехом у посетителей. Отмечая при этом, что среди массы представленных полотен особенно гости выделяют именно «Грачей».

Выставка передвижников стала ежегодной и демонстрировалась в 12 городах России. Кроме нее, проводились показы и в городах, до которых главные выставки не добирались. В таких случаях экспозиции комплектовали из полотен, которые не выставлялись на продажу при проведении основных выставочных мероприятий.